Depuis une vingtaine d’années et sous ce nom, Isabelle Fourcade et Serge Provost pratiquent joyeusement un art qui mêle le cinéma et la culture populaire, le réel et le burlesque, la sculpture, l’installation et la performance.
Didier Arnaudet : Pourquoi avoir choisi de vous réunir sous ce nom The George Tremblay Show ? Quelle résonance souhaitez-vous lui donner ?
The George Tremblay Show : Une route enneigée du Canada, en février 2003, une voiture de location, un motel, de la neige… Comme un hommage à un film des frères Coen dans lequel une héroïne choisirait un nom d’emprunt en pointant son doigt au hasard dans l’annuaire. Oui, c’est comme ça que ça s’est passé. C’était sans doute là notre première action collective. Après, le show, c’est une permanence. Un désir de rendre la chose publique et de la faire exister. Show renforce l’idée que la vie est une vanité.
Comment fonctionne votre duo ?
Depuis que nous avons décidé de travailler ensemble, nous mélangeons volontairement tout. Comme deux moteurs couplés, alimentés au quotidien, qui se nourrissent de conversations et d’obsessions que sont : la danse, le cinéma, la politique… nos outils. Cela correspond à un regard commun, mais pas toujours. Quand l’un de nous a une envie, il l’offre à l’autre qui l’enrichit, se l’approprie, la remet sur la table. Imaginez que ces idées sont travaillées à quatre mains comme un sculpteur maniant l’argile. On rajoute, on enlève, on jette, on garde. Ça fonctionne comme une discussion commencée il y a longtemps et il est impossible de définir a posteriori qui fait quoi.
Comment définiriez-vous votre démarche ? Quels en sont les sources et les enjeux ?
Le XXe siècle et tous ses mouvements avant-gardistes ont décloisonné pour nous les formes que l’histoire de l’art avait bien rangées. En héritiers de cette période, nous jouissons de notre patrimoine en totale liberté. L’acte artistique est le cœur de notre démarche et notre sujet de travail est la vie ou plutôt l’existence. C’est peut-être parce que les formes et pensées du monde ne nous conviennent pas totalement que nous fabriquons les nôtres, en jouant sur le fil du rasoir entre la conscience et la pensée contrefactuelle. Margaux Bonopéra écrivait il y a quelques années : « Il y aurait quelque chose de désespéré et donc de follement “merveilleux” dans la pratique du The George Tremblay Show, une conscience hautement singulière de l’épuisement de notre imaginaire collectif et de cette nécessité vitale d’imaginer des scènes de vie comme matière à partager. Car eux-mêmes le disent, à la fin, il ne restera qu’une seule performance. La vie, semblent-ils chuchoter. » Notre démarche est effectivement une question d’existence quotidienne. C’est un cadre que l’on donne à notre pensée et qui se transforme. Des gestes simples auxquels on porte de l’attention : parler de la gravité de façon légère, déployer des moyens démesurés pour produire une action singulière (danser un slow à 3 mètres de haut (Moon 13), prendre un bain dans une eau de source magique (Dolce Aqua), déclamer un discours adapté de Malraux sur la Méditerranée (Sud), s’échapper en hélicoptère d’un château cathare (East by Northeast) ; et, le tout, avec des moyens dérisoires. Rendre possible tout ce qu’on a envie de faire en mettant le rudimentaire au service de l’extraordinaire et créer des images… on aime beaucoup les images. Ce qui nous intéresse fondamentalement, c’est le moment où les choses se font.
Repérés pour vos performances, vous présentez votre exposition comme la partie invisible de l’iceberg de votre production. Qu’est-ce qui motive les installations et les sculptures proposées ? Comment s’articulent-elles avec vos actions ?
Disons juste une partie en plus. On ne perçoit jamais la forme réelle de la partie immergée d’un iceberg. Ceci est valable pour tous les artistes. Le temps de présentation publique n’est qu’une partie du travail. Quand nous faisons des performances, l’acte artistique se déroule en direct et il n’y a qu’à ce moment-là qu’il existe. Avant, cela n’existe pas et après il ne reste que la mémoire et les archives. Dans les pièces et installations de nos expositions, nous ne montrons pas exclusivement des traces de nos performances mais bel et bien les formes plastiques de ce qui nous anime, notre pensée de l’art. Le spectateur se retrouve en situation d’appréhender sensiblement un air de musique, un mouvement, un espace… Nos deux formations respectives que sont l’architecture et les beaux-arts nous ont conduits vers la performance parce qu’elles rejoignent nos préoccupations fondamentales que sont l’espace et le temps.
Vos projets ?
Des performances, bientôt une autre exposition, un film, mais la crise sanitaire presque passée et la lecture de l’actualité nous poussent à être très prudents sur nos projets. Pour l’instant let’s show !
Entretien publié dans JunkPage #91