Documents d'Artistes Nouvelle-Aquitaine

Aux arbres citoyen·nes !

Guillaume Lasserre — 2025-06-20T10:21:49Z

Le Nouveau Ministère de l'Agriculture est une fausse entité politique créée en 2016 par les artistes Suzanne Husky et Stéphanie Sagot autour de leurs intérêts communs pour l'art, la politique et l'agrobusiness. Elles reprennent pour mieux les dénoncer les discours, prononcés presque uniquement par des hommes, des gouvernements successifs ayant mis en place les politiques agricoles. Quel que soit le parti au pouvoir, celles-ci sont organisées selon une doctrine productiviste et industrielle où l'exploitation et l'extractivisme nient la nature comme entité vivante. C'est donc pour remettre en question un système qui ne le faisait pas que les deux artistes sont « entrées en politique ». Aujourd'hui, les multiples crises que nous traversons changent la donne en soulignant l'urgence d'agir. Plutôt que de continuer à dénoncer les aberrations d'une politique agricole commune aux effets dévastateurs, le nouveau ministère propose, sous le vocable de « Cercle de la Régénération » – des sols comme de la vie – sa propre politique agricole, alliée du vivant et dont les mots d'ordre sont : Aimer. Jouir. Polliniser. Germer. Être dans le concret, le faire, agir pour plutôt que protester contre, préférer la construction à la destruction. Le nouveau monde sera agroforestier et écoféministe.

Le centre d'art La cuisine donne à voir cette proposition du Nouveau Ministère de l'Agriculture. Imaginé par Stéphanie Sagot en 2004 sur un territoire, le Tarn-et-Garonne, qui était alors dépourvu de lieu dédié à l'art contemporain {note}1, il repose sur le mot « art » tel qu'il s'entend dans l'acception formulée par l'érudit et penseur socialiste britannique William Morris (1834 – 1896) : « au-delà des productions artistiques explicites, de façon à embrasser non seulement la peinture, la sculpture et l'architecture, mais aussi les formes et les couleurs de tous les biens domestiques, voire la disposition des champs pour le labour ou la pâture, l'entretien des villes et de tous nos chemins, voies et routes ; bref, d'étendre le sens du mot "art", jusqu'à englober la configuration de tous les aspects extérieurs de notre vie » {note}2.

L'exposition du Nouveau Ministère de l'Agriculture ressemble à un projet de société. Composée d'un grand dessin, un film et une plantation, elle pourrait apparaître atypique si l'on ne considérait pas le précepte de William Morris. Elle est ici intimement liée à la vie de la Cité. La création plastique est ici connectée à son environnement immédiat, à la terre, à la nature. Elle est évidemment politique : de la création plastique pour penser le monde d'après. Il ne s'agit pas de raconter là une fable qui emprunterait à la métaphore mais de rendre compte de la possibilité d'une alternative. Car contrairement à ce qu'assènent les dirigeants des pays occidentaux depuis plus de cinquante ans, il y a une alternative : l'éducation à l'environnement envisagée comme outil pour transformer la société. Le grand dessin (300 x 150 cm) composé à quatre mains en est à la fois la matrice et le manifeste. Il esquisse les contours de la nouvelle Nègrepelisse où le monument aux morts deviendrait sous la bienveillance d'une Vénus préhistorique, gigantesque déesse-mère sculptée, un monument aux vies, où l'on trouverait entre autres bâtiments abritant les services publics, celui du fumier municipal, juste à côté de la graineterie, où le cimetière serait récupérateur de phosphore, où les fruits, les céréales, tout ce qui se récolte, seraient en abondance, où le bien-être des animaux serait source d'une reproductivité soutenue. Plutôt qu'une utopie, le Nouveau Ministère de l'Agriculture trace une écotopie selon la définition qu'en donne en 1975 l'écrivain et journaliste américain Ernest Callenbach (1929 – 2012) dans le roman éponyme {note}3. Sur le dessin, les oiseaux figurent en nombre et semblent disproportionnés par rapport à l'échelle de l'ensemble. C'est que les oiseaux occupent une place fondamentale dans l'équilibre du monde. Ils sont de véritables passeurs de vie grâce à leur pratique de dissémination des graines qui favorise la reforestation et la pollinisation des plantes. La grande migration des oiseaux de l'Ethiopie vers l'Europe précède les grandes migrations humaines qui suivent le même trajet, terrestre toutefois. Les zones humides jouent le rôle d'oasis pour les oiseaux en escale migratoire. Aménagés au cours de l'histoire, ces réservoirs de biodiversité sont reliés entre eux par des corridors écologiques. Il est primordial d'en assurer la continuité. Sur le dessin, l'un des oiseaux, aux couleurs de feu, est assurément plus grand, plus majestueux que les autres. Allégorie de cette régénérescence de la nature, le phœnix renaît toujours de ses cendres.

À travers le film au titre mirifique : Manifeste pour une agriculture de l'amour, Hervé Coves, ingénieur agronome, pédologue mycologue, devenu moine franciscain en 2014 peu après ses cinquante ans, propose, grâce à sa compréhension profonde du vivant et de la biosphère, un programme agricole s'étirant sur mille ans lié à la culture de la pluie pour la régénération des sols, aux arbres millénaires sacrés, aux aurores boréales, aux oiseaux migrateurs, aux poissons pour la circulation du phosphore, à la marche pour l'adaptation climatique, tout en cultivant de nombreuses plantes. Fondateur de l'ordre des Franciscains, Saint François d'Assise est aussi le patron de l'écologie.

Ouvert au public courant novembre, Aux arbres ! est un jardin municipal composé de cultures appropriées à la région. Installée en contrebas de la Cuisine, cette forêt nourricière partagée est destinée notamment à alimenter les fourneaux du centre d'art. Planter, cueillir, ramener son compost, elle a été imaginée comme un jardin dans lequel on pourrait vivre. La création de cette plantation s'inscrit dans une perspective historique. Le Tarn-et-Garonne est certes un verger important mais un verger industriel. L'idée est de planter autrement. Réalisé en collaboration avec l'association Campagnes Vivantes, ce jardin est accompagné d'une mission de sensibilisation afin de le faire vivre : un outil pédagogique et évolutif qui met en relation les écoles, les espaces verts municipaux et les habitantes.

À partir du dessin visionnaire, de cette cartographie politique dont le titre Aux arbres ! Ecotopie du Nouveau Ministère de l'Agriculture pour une stimulation des processus vitaux post nécronomie, préalable à la plantation d'une forêt nourricière à Nègrepelisse porte en lui le dessein et l‘espoir d'un nouveau monde, le Nouveau Ministère de l'Agriculture propose plutôt qu'il n'oppose, explore des manières de devenir terrien, d'habiter la planète avec la planète, de prendre soin de ce monde fabuleux que nous habitons. William Morris le dit lui-même : « L'art est long, mais la vie est courte : réalisons quelque chose au moins avant de mourir » {note}4.

¹Elle en assure la direction jusqu'en 2007, puis la direction artistique jusqu'en 2016. Elle est actuellement artiste associée. Dès le départ, elle souhaite lier le centre d'art à une pratique. L'alimentation s'impose assez naturellement. D'autant qu'à l'époque, Jean- Pierre Poulain, sociologue de l'alimentation très en vogue, a son laboratoire à l'université de Toulouse, toute proche.

²William Morris, L'art en ploutocratie, Conférence prononcée à l'University College d'Oxford, le 14 novembre 1883, et publié dans To-Day, Londres, février-mars 1884. Reproduit sur le site Articule.net Ressources en design http://www.articule.net/2018/07/26/william-morris-lart-en-ploutocratie-1883/ Consulté le 15 octobre 2020.

³Ernest Callenbach, Ecotopia : the notebooks and reports of William Weston, Berkeley, California, Banyan Tree books, 1975. Edition française : Ecotopia : Les Carnets de notes et de Rapports de William Weston, Paris, Stock, 1978.

⁴William Morris, L'art en ploutocratie, Conférence prononcée à l'University College d'Oxford, le 14 novembre 1883, et publié dans To-Day, Londres, février-mars 1884. Reproduit sur le site Articule.net Ressources en design http://www.articule.net/2018/07/26/william-morris-lart-en-ploutocratie-1883/ Consulté le 15 octobre 2020.

Catalogue du 64e Salon de Montrouge

Guillaume Lasserre — 2024-12-02T10:21:43Z

L'art de Rémi Duprat mêle photographie, sculpture et installation dans une pratique du détournement de la sculpture documentaire, à la fois contextualisée et fictionnelle, pour révéler nos habitudes et coutumes culturelles.

Au Salon de Montrouge, l'artiste présente des pièces issues de la série Villa Marguerite (2018), dont le point de départ est une réflexion sur le jardin pavillonnaire et l'habitat moderne standardisé. Ces sujets s'inscrivent dans ses recherches actuelles sur la quête d'exotisme du point de vue des pratiques qui en découlent et du paysage, en insistant sur leurs modes de consommation et de commercialisation. L'agencement des œuvres aux formes à la fois familières et inédites compose symboliquement les différents espaces de l'habitation, traduisant un certain déterminisme pavillonnaire que vient ratifier le code couleur d'une peinture industrielle brevetée pour se protéger de toute reproduction sauvage, correspondant aux références affichées en magasin références affichées en magasin. Ainsi, un « vert jungle » recouvre les murs de Phoenicopterus Wallpaper (Flamenco power), papier-peint construit à partir d'une photographie de flamand rose gonflable posé dans un marécage des Pyrénées, et de One step mulching rider où un tracteur autoporté de la marque Bolens, « qui vous aidera à garder un beau jardin à un prix très raisonnable », transporte à l'arrière la dépouille d'un sanglier en bois sculpté. Un « bleu rêveur » habille les murs extérieurs près d'un bassin de faux marbre, où à la « femme à la cruche » sculptée - figure décorative traditionnelle des pièces d'eau d'agrément - se substitue la « femme à la perche » dont le geste inaccoutumé vient rompre, par son incongruité, l'harmonie de l'ensemble. Le décor invitant à la contemplation est vite désamorcé par une vocation utilitaire lorsqu'on l'envisage comme une représentation symbolique de la salle d'eau.

Avec beaucoup d'humour et une solide pratique, Rémi Duprat propose une vision poético-politique de nos fantasmes d'individus en quête d'un ailleurs singulier, perdu dans les faux-semblants aseptisés d'une société de consommation triomphante.

« Demeure »

Guillaume Lasserre — 2024-02-16T14:01:54Z

Les œuvres de Ladislas Combeuil (né en 1989 à Vannes, vit et travaille à Claix, en Charente) répondent à une recherche plastique qui puise ses formes dans une relecture constante de l'histoire de l'art. Celle-ci se lie plus ou moins fidèlement dans les sculptures qu'il élabore. A l'artothèque de Pessac, il détourne « Melancolia I », la célèbre gravure sur cuivre d'Albrecht Dürer (1471 – 1528), datée de 1514, œuvre emblématique intégrant une multitude de symboles qui sont autant d'énigmes ayant suscité de nombreuses interprétations au fil des siècles. L'image pourtant sert de simple point de départ, prétexte à une interrogation sur le statut même de l'art. Point de Polyèdre ici comme celui figuré dans la gravure au bas de l'échelle, sans nul doute la forme la plus représentée par les artistes, et que Ladislas Combeuil a lui-même déjà revisité dans une série de sculptures précédente. La forme, trop évidente en tant que représentation, est écartée. L'artiste s'intéresse à d'autres éléments présents dans la composition, qu'il tord, manipule, décontextualise, réduit à leur simple dimension de matériau. L'échelle, la sphère, le carré magique, la chauve-souris, la roue de meunier deviennent les éléments d'un travail qui diffère du précédent dans lequel il transposait jusque-là formellement des œuvres iconiques de l'histoire de l'art à l'aide de toile et de bois. Ici, il n'est en rien mimétique. Dénommée Demeure, l'installation qui occupe la salle d'exposition de l'artothèque de Pessac est un « foyer, un habitat mais aussi ce qui reste sans bouger » confie l'artiste. Les figures fragmentées, composées d'acier rouillé et de contreplaqué arraché, abîmées de façon délibérée, donnent à cette demeure une indéniable empreinte mélancolique. Le visiteur est plongé dans un espace indéfini dont on ne sait s'il est en construction ou en ruine, s'il a vécu ou s'il s'apprête à vivre, un non-lieu entre la ville et la périphérie, un entre-deux dans lequel le temps serait suspendu.

La sphère qui occupe le premier plan en bas à gauche dans la gravure de Dürer apparaît moins noble ici. Elle se perd au milieu d'un tas de sciures de bois dont elle est elle-même constituée, restes de contreplaqué arraché, posés dans un coin. Tout près, le long du mur, l'escalier sur lequel est posé un masque à la patine rouille – semblable aux masques, protecteurs des maisons en Inde et au Népal que l'artiste a ici substitués à la chauve-souris de la gravure -, et une corde, ne conduit nulle part, à moins que sa destination, étrange, ne soit le cadre en acier et verre brisé qui le surplombe. Le « Carré magique », devenu ici sculpture autoportante, se devine enfoui sous un imposant tas de clous rouillés, réminiscence des quatre pointes présentes sur la gravure que l'artiste multiplie à foison, tandis que le mur attenant est saturé par vingt-six panneaux d'acier et de contreplaqué arraché, répartis en deux rangés. L'artiste semble ici revisiter l'ornement, interroger le motif. La partie visible du contreplaqué arraché au ciseau à bois exprime toute la violence de l'acte. A l'avant des panneaux, la sculpture des échelles elles aussi en acier, multipliées par l'artiste comme il a multiplié les clous, évoque les nombreux chemins possibles qui sont autant de lectures de l'installation. Non loin, des parpaings en acier occupent l'espace. D'autres parpaings en contreplaqué et en verre avec copeaux, semblent leur répondre. Une « sculpture poulie » est accrochée sur le dernier mur.

La « demeure » de Pessac évoque un cabinet de curiosité, un champ d'expérimentation perpétuel qui réinterroge sans relâche l'histoire de l'art à travers la création plastique. Car Ladislas Combeuil pratique la peinture mais, à la manière de l'artiste américain Carl André qui travaille des matériaux bruts et industriels tels des plaques de métal ou des billots de bois, axant sa réflexion sur la notion de sculpture détachée de toute référence à l'architecture, repoussant, à travers l'utilisation d'éléments standardisés et combinatoires de la construction industrielle, l'idée même de composition traditionnelle. « J'ai commencé par la peinture et je suis arrivé à la sculpture avec les matériaux de la peinture » précise-t-il. Les coups de pinceaux de Combeuil sont des coups de ciseaux à bois. « C'est physique et assez violent (…) J'arrache la première couche de contreplaqué pour laisser paraître le côté marron, la colle entre chaque strate » poursuit-il. Il ramène ainsi l'œuvre à la matière, en la sortant de son contexte, la réduit à son aspect matériel. Pour autant, en faisant le choix de remettre la pièce au mur, il la replace inexorablement dans la peinture, dans une sorte de mise en abîme qui ouvre sur une nouvelle réflexion. Le faire, le labeur, la besogne de l'atelier, le statut même de l'artiste, l'histoire de l'art, c'est tout cela que questionnent ses sculptures non sans ingéniosité et ironie. Ladislas Combeuil construit une œuvre immersive dans laquelle le visiteur est invité à faire une expérience réelle, physique, perceptive d'un espace qui, réinventé par l'artiste, appelle à un nouvel usage de la salle d'exposition.