Documents d'Artistes Nouvelle-Aquitaine

Lyse Fournier, la part du ciel

Henri Guette — 2024-07-02T09:05:50Z

Rien de plus changeant qu'un paysage. Le passage d'un nuage, un rayon de soleil ou même l'orage suffisent à lui donner un caractère différent. Le paysage c'est la perception d'un territoire, un cadrage culturellement construit qui nous pousse souvent à regarder à côté des pylônes électriques et des antennes qui le quadrillent. C'est une histoire de représentations qui peut avoir quelque chose de paralysant et le travail de Lyse Fournier s'apparente pour une part à un travail de déconstruction. L'artiste s'est dans un premier temps plongé dans l'image et avec La Ruée, a commencé à reprendre des détails des clichés du photographe-éditeur Sartony qui ont beaucoup servi pour la publicité. Dans cette œuvre de 2018, composée d'impressions sur plexiglass, le motif se brouille et les remous de l'eau apparaissent sans bords. Il n'y a pas de cascade, pas de rivière ou de lacs pour les retenir mais un mouvement du paysage que rien ne contient plus. Un lieu abstrait, un “temps flottant”.

Le support de l'image est une question récurrente dans l'œuvre de Lyse Fournier. Dans les sculptures satellites dont le principe semble déjà amorcées par Concrétions, des armatures métalliques jouent tout à la fois le rôle de structure et de sculpture. Des ferronneries rappellent celles d'un balcon dans De ma fenêtre (2021), des élancements jouent avec la fonction d'un paratonnerre dans Dernières heures (2019). On pourrait encore songer à un anémomètre avec l'installation extérieure Sizigie (2020) et cette stabilité, ce vocabulaire formel de la station météo, semble nous amener à prendre la mesure du ciel et de nos dérisoires efforts de le domestiquer. Quand l'artiste intervient dans l'espace d'une galerie, elle y installe une tension du sol au plafond avec Jet Stream #1 (2020) et fige à portée du corps des phénomènes optiques d'ordinaires fugitifs. L'impression sur métal restitue bien un éclat, joue avec la lumière comme pourrait le faire un vitrail ; elle crée une approche qui décentre le regard.

L'utilisation de verres colorés et de miroirs à partir de Réflexions, la série qui de 2020 à 2021 rassemble des œuvres comme Foudre ou Emblème rayons, fait appel à la subjectivité de chaque visiteur. Au-delà d'une construction historique et esthétique, le paysage est une expérience que l'on fait individuellement, personnellement, comme le rappelle l'historien Alain Corbin dans le livre d'entretien L'homme et le paysage où il explicite sa méthode de travail et le recours à la littérature, aux journaux intimes et aux correspondances privées. Le texte s'est petit à petit fait une place dans le travail de Lyse Fournier, au travers d'éditions, ou de poèmes repris sur des textiles dans Halos (2022). Dans le corpus d'œuvres qui constitue la Fabrique des cieux, l'artiste en se référant à des moments limites, des temporalités entre le jour et la nuit comme l'heure bleue ou le rayon vert cherche par un travail de filtres, qui ne se donne pas immédiatement mais par instants, à suggérer une coïncidence d'affects, une épiphanie. Lyse Fournier, au-delà de l'évidence, propose ainsi de faire coïncider les cieux et les sentiments.

Sophie Mouron - de temps en temps

Henri Guette — 2023-07-11T13:55:00Z

À quoi tiendrait un début ? Quand Sophie Mouron prend une photo ou débute une vidéo, c'est toujours le même objectif. L'intention change bien sûr mais il s'agit toujours d'un même rapport au temps qui s'imprime. On surprend, dans les Impressions et plus particulièrement l'ensemble La fluidité des éléments, un moment dans le vol d'une nuée d'oiseaux, on est témoin du vent qui affole les épis de blé dans un champ. Le référent, c'est la main qui tient l'appareil, l'œil prêt à saisir les ondulations de l'eau alors que l'artiste passe au-dessus d'un pont. Cela ne dure qu'un instant qui reste de l'ordre de l'indénombrable, volontairement moins d'une minute mais pas tout à fait, de quoi jouer avec ce repère si commode. C'est déjà quelque chose de se rendre présent à ce que l'on regarde environ 50 secondes en s'efforçant de trembler le moins possible ; on tient alors sa respiration comme on médite. L'artiste propose d'aborder ce travail, que l'on pourrait voir comme une suite d'épiphanies, comme un haïku. Dans cette forme poétique japonaise qui se caractérise par sa brièveté, la révélation se fait par le regard ; ce qui était déjà là se révèle comme ce qui est devant nous. Dans une société capitaliste qui vit, comme l'écrit Jonathan Crary, dans une crise de l'attention {note}1, ce travail du temps, de la rencontre et des hasards a quelque chose de libérateur.

Le travail de Sophie Mouron n'est pas tant un travail de l'image qu'un travail du temps comme le révèle son utilisation de la séquence. Avec Carrefour I et II qui propose de couvrir un laps de temps d'une heure par une succession de photos prises toutes les 15 secondes, l'image nous montre le trafic routier à une intersection. Comme dans les séries de clichés de Jan Groover pourtant, la prise de vue n'essaie pas de nous montrer ce que l'on voit et les objets en soi, mais les relations, l'espace entre, ce qui, sur la durée, devient une trajectoire. Le protocole peut paraître absurde mais il n'est pas moins arbitraire que la mesure du temps par une unité mathématique. De fait, l'artiste joue aussi avec les manques de l'image, les intervalles et le hors-champ. Elle utilise la persistance rétinienne qui fonde le principe du cinéma pour aborder l'idée d'une continuité. La boucle qu'elle convoque régulièrement, comme la possibilité de renverser la séquence, s'inscrit dans une perception du temps cyclique, proche de celui que considèrent les bouddhistes. En observant aussi bien des évènements météorologiques naturels, la pluie qui tombe, un rayon de lumière que des mécaniques humaines, une machine de barbapapa ou encore le tambour d'une machine à laver, Sophie Mouron développe une phénoménologie du quotidien. Dans la série Une seconde avant... une seconde après, elle montre d'une image l'autre un moment de présence dans la capture photographique ; une posture entre l'art et la vie qui engage chacun dans un parcours tout à la fois spirituel et métaphysique. L'artiste traite la question comme un poème et la réponse comme une énigme. À quoi tiendrait une fin ?

¹Yves Citton, L'économie de l'attention. Nouvel horizon du capitalisme ? La Découverte, 2014