Documents d'Artistes Nouvelle-Aquitaine

Demander au vent

Émilie Flory — 2026-01-08T10:50:39Z

J'aime les images sonores, presque musicales. Le silence romanesque qui précède le premier bruit lorsque la nuit s'enfuit. Tel pourrait être le début d'une bande-son, celle des photographies de Fernanda Sánchez-Paredes dans la série Les heures bleues.
Comme une scène introductive de film, le premier cadrage dit tout d'une atmosphère à venir, première vue fixe, focale réglée au plus juste du premier au dernier plan du paysage ; lela regardeurse attend un élément qui traversera le champ. Viendra-t-il ?
Depuis le bleu profond de la terre qui se décline en camaïeu jusqu'aux cieux encore entre chien et loup, il y a le bruit imaginaire, supposé. Le son reconnaissable d'une mobylette, d'un chien qui aboie, celui sourd et creux de la porte d'un tracteur John Deere. Avec les premières notes des passereaux lève-tôt {note}1, ils sont les premiers signes de l'aube, quand éclot doucement le babil de la vie après le manteau muet de la nuit. Les pluies scintillent au soleil, les volutes de brumes figurent les dieux des forêts et des jardins, les sillons dans les blés simulent les traces manuelles des géants, une table de ping-pong bleue espère le tempo des balles tandis qu'un hamac improvisé regrette le corps qu'il lovait tantôt. Silence.

Demandez au vent
Quelle feuille tombera
La première {note}2

Fernanda Sánchez-Paredes, dans cet ensemble photographique, ne se positionne pas en chanteresse de la nature mais plutôt en révélatrice de paysages. Celui d'une imagerie collective, bucolique et enchanteur au sortir des bois, au détour des rivières mais surtout le paysage fabriqué, structuré tel qu'il apparaît ces dernières années. Une nature urbanisée ceinture désormais les campagnes qui retoquent le pittoresque, comme pour braver l'ancien goût amer de l'exode rural et s'enorgueillir fièrement du retour à la terre moderne.
L'artiste déploie aussi son regard sur la conséquence de la pression exercée sur le monde rural, le clonage des lotissements et des zones d'activités qui neutralise les espaces et les lieux. Certains lieux font signe en tant que neutre et cessent de l'être dès lors qu'une attention leur est prêtée {note}3. Gagné.
Les heures bleues nous conduisent, grâce à leurs titres géographiquement positionnés, à un territoire précis, entre fleuve et villages. Ici, les ponts sont marqués de l'impact des panneaux tandis que les stigmates d'une roue dessinent un serpent sur le sable de la berge. La vie est là, dans le vert reconnaissable de la structure d'une balançoire, le voilage des potagers et des vergers, les couleurs vives d'un rideau chasse-mouches.
Une attentive application à la couleur, à la lumière et aux aplats est présente dans son travail. Telle une peintre, Fernanda Sánchez-Paredes travaille sa palette, ses surfaces et la carence de ses noirs. Subtile, quasi invisible pour un œil distrait, la douce pâleur générale de la plage colorée baigne parfois la série d'une délicate irréalité. La photographe s'amuse à aplanir ses champs, comme une composition de carte postale, elle cadre et jouxte les plans pour ne pas hiérarchiser ses sujets et faire émerger les lignes.
Dans la tradition de la photographie de paysage {note}4 qui endossa très rapidement le rôle de révélateur du réel, Fernanda Sánchez-Paredes use de l'absence et du manque pour esquisser hors-champs les personnages. Elle révèle dans ses clichés les symboles universels d'une adolescence qui s'ennuie à la campagne, les signes de la présence des femmes et des hommes qui y vivent. Il y a pour moi, avec ce travail de va-et-vient — mélange de photographie plasticienne et connaissance documentaire du sujet — une filiation avec la puissance et la qualité fictionnelles des images de Thibaut Cuisset, promenades et cheminements poétiques souvent sans personnages {note}5

(…) c'était une harpe d'herbes, une harpe qui récoltait, racontait, une harpe de voix qui se rappelait une histoire. Nous écoutions. {note}6 Le temps passé sur ces routes, au milieu des champs et des harpes d'herbes, suivre les lignes d'eau et de macadam, entendre les voix et les jeux d'enfants, regarder danser les arbres et les draps, Fernanda Sánchez-Paredes a épuisé ces paysages avec bienveillance. Ressent-elle, au finir de son bel ouvrage, ce sentiment étrange qui mêle apaisement, soulagement et « remplissage », comme au retour d'un lointain voyage ?

Insensiblement, à mesure que la montre tissait le bruit du temps, l'après-midi s'orientait vers le crépuscule. Le brouillard de la rivière, la brume d'automne laissait traîner des pâleurs lunaires parmi les arbres bleus et les arbres cuivrés, et un halo, une image de l'hiver, encerclait le soleil déclinant. {note}7 À l'orée de la brunante, le soir, il est heureux que les heures bleues sévissent encore.

¹Le rougequeue noir et le rouge-gorge sont des passereaux, ils sont les premiers oiseaux à chanter le matin, parfois même avant le lever du soleil.

²Natsume Sōseki, N°2245 Meiji 43, Automne, 1910 in Haikus, Picquier poche, 2009

³Jean-Christophe Bailly, Le Dépaysement. Voyages en France, Éditions du Seuil, 2011 et France(s) territoire liquide, Éditions du Seuil Collection Fiction & C^ie, 2014

⁴À lire sur le sujet, Christine Ollier, Paysage Cosa mentale. Le renouvellement de la notion de paysage à travers la photographie contemporaine, Éditions Loco, 2013

⁵Photographies de Thibaut Cuisset, séries Japon, 1997 ; Islande, 2000 ; Loire, 2001 ; Normandie, 2006

⁶Truman Capote, La Harpe d'herbes, 1953 [titre original : The Grass Harp, 1951

⁷ibidem

J'ai pris la liberté de m'asseoir

Émilie Flory — 2022-01-04T09:10:00Z

Le vent restait cependant extraordinairement maniable. Il ne soufflait jamais avec instabilité mais d'un flux toujours égal, il changeait simplement de lit, comme une sorte de torrent qui ondule dans des sables. Il passait avec la même force de l'Est au Sud pour, peu après, souffler du Nord sans prendre de nouvelles violences dans ses sautes {note}1.

La liberté nichée dans les sautes de vent, imprévisible, mal comprise reste une constante dans l'univers de Christophe Clottes. S'il m'est nécessaire de passer par un incipit emprunté à Jean Giono, libertaire incompris, pacifiste forcené, c'est parce que l'œuvre de Christophe Clottes s'ancre et déstabilise. Elle appelle un engagement physique et intellectuel des regardeurs qui lui font face. Elle n'est pas docile. Délicate, opalescente, elle ne se livre pas au premier regard, fait fi des cases. Elle demande du temps ; l'introduire ainsi pose ce décor.

Christophe Clottes mobilise une œuvre engagée sans être revendicatrice. Elle est emplie de poésie, celle du créateur qui contemple, de celui qui se tait quand il pense, de la justesse à se mouvoir dans et hors du monde. Je retrouve dans les dessins, installations, sons, images fixes et mouvantes la force d'une humilité qui pousse à réfléchir, philosopher, s'indigner. L'artiste pointe une société dysfonctionnelle, les déséquilibres de l'homme avec la nature, les aberrations des modernités mal fagotées. Attention, Christophe Clottes n'est pas ascète, il ne prône pas un retour à la nature ni le mythe du bon sauvage. Il s'intéresse à l'invisible, aux mouvements du presque rien, aux temps, au tracé des choses. Le trait, même s'il ne figure rien, marque une frontière, un dedans et un dehors, il limite un espace, même ouvert. Il est alors question de choix, de doutes, de positions.

Christophe Clottes a intégré l'art minimal et conceptuel comme porteurs de libertés, comme gestes naturels. Il a digéré les marches et actions de Richard Long, Hamish Fulton, Denis Oppenheim, assimilé les happenings et le non-art de Fluxus. À l'endroit de sa contemporanéité, héritier des avant-gardes, l'artiste bâtit, performe, se révolte en filigranes. Ainsi, puisque le monde dans lequel nous vivons est difficile à vivre et que nous ne pouvons pas pour autant le quitter, la question est de savoir dans quelle mesure nous pouvons le rendre habitable, ne fût-ce que la brève durée de notre vie éphémère. C'est alors que naît la vocation du poète, la mission du peintre. Quel que soit son art, l'artiste apaise le monde, il est précieux en ce qu'il enrichit le cœur de l'homme {note}2.

Christophe Clottes observe les mondes à travers des prismes liés entre eux : de l'habitat à la cellule vivante, des formes architecturées {note}3 aux déplacements des roches, cadres alu, étoiles et gastéropodes. Il travaille avec les communautés de fourmis, abeilles, phasmes, souris {note}4, construit des espaces, des refuges, dénonce et refuse l'enfermement que procure inéluctablement un système de contraintes et de hiérarchies.

Bien que n'étant pas sujet des œuvres ni au cœur des créations, la présence du corps de l'artiste y est pourtant omniprésente. Il ensemence, redonne vie par la répétition de la taille d'un silex, le retournement d'une hampe d'onagre, la musicalité des pierres, quand il creuse un sillon large comme son pied, pile du charbon, réduit les galets en pigments, assemble la peau des vaches {note}5 … Ses œuvres polymorphes rappellent que l'homme est la nature prenant conscience d'elle-même {note}6.

Émilie Flory
Manosque, octobre 2021

¹Jean Giono, Pluie in Fragments d'un paradis, 1948

²Natsume Sōseki, Kusamakura [VF. Oreiller d'herbe ou le Voyage poétique], 1906

³Référence aux œuvres de l'artiste : Cuisine de campagne (volume, 2013), Réinsertion (installation in situ, 2010), Paysage même (installation, 2020), Enveloppée (installation, 2004)

⁴Référence aux œuvres de l'artiste : Écho erratique (dessin mural à protocole, 2017-18), Cadre et séchoir (vidéo, 2004), Structure et des fourmis (vidéo, 2004), Patelles (dessins et installation, 2021), Parcelle 146 section AB (installation, 2005), Phasmes (installation, 2011), Programme en cours (sculptures et installation, 2008)

⁵Référence aux œuvres de l'artiste : Siffler sur les graines (installation murale, 2021), Mouvement lithique (performance musicale, 2018), En cercle (installation in situ, 2021), Corps minéral (installation et deux séries de sérigraphies, 2018), Condition erratique (installation, 2011)

⁶Élisée Reclus, L'Homme et la terre, 1905

Si seulement nous avions le courage des oiseaux

Émilie Flory — 2021-10-11T14:21:00Z

Chaque fois que je me retrouve au-dessus de ces longues étendues couvertes de buissons et d'air (couvertes de buissons comme autant de peignes pour l'air) et qui s'achèvent très loin en vapeurs bleues, qui s'achèvent en crêtes de vagues, en écume (comme si l'idée de la mer me faisait signe au plus loin de sa main diaphane, et qui tremble), je perçois, à ce moment de l'année, invisibles, plus hauts, suspendus, ces buissons de cris d'oiseaux, ces points plus ou moins éloignés d'effervescence sonore {note}1.

Christophe Clottes est un artiste marcheur. Il entretient avec la nature un lien qui passe par le temps de la marche, par l'écoute et une certaine contemplation nourricière. La marche comme véhicule d'idées, marcher pour accueillir les pensées qu'il n'aurait jamais eu sans la circonstance de la marche, pour se laisser saisir par les sons et les vents. J'ai pu seulement marcher et marcher encore, me souvenir, entrevoir, oublier, insister, redécouvrir, me perdre {note}2. Se déplacer, observer, reproduire sans voir, dans la série de dessins à protocole Échos, les gestes de l'artiste pourraient être circonscrits à un automatisme. Dans le renversement d'une hampe d'onagre, dans le tracé archéologique des cheminements gastronomiques des patelles, dans la masse des nucléus de silex, dans le 8 infini d'une barrière lovée sur elle-même… à de nombreux endroits de son œuvre peuvent émerger ces sentiments de spontanéité, de « presque rien ». Or, cette lecture du travail, outre sa portée hautement réductrice, n'est (en plus) pas tout à fait juste. Elle manque de subtilité, elle ne va pas dans les zones invisibles. Et c'est justement à ces endroits que Christophe Clottes inscrit de plus en plus son travail artistique, ses réflexions et ses actes. Il touche à l'inframince. Il procède par micro-gestes, micro-actions, micro-organismes. Il prend soin. Il a une attention philosophique pour la fragilité des relations, des équilibres, de la faune et de la flore, des êtres. Il s'attèle à faire une place à cette délicatesse. Comme un besoin de créer des choses qui ne tiennent pas le temps et d'en revendiquer l'importance. C'est, à mes yeux, ce qui ancre la force de son propos et de ses œuvres, et qui trouble parfois leur appréhension. Un plasticien arque délibérément son travail vers ce qui ne se voit pas. Presque pas. À nous de travailler, rester à l'écoute, déceler et s'émouvoir. Tout est là depuis toujours : le temps, les vibrations, le corps, le rythme, le déplacement, la liberté intense, aussi.

Les œuvres de Christophe Clottes ont à voir avec l'évènement performé. Cette évidence éclairante m'est apparue récemment. Des dessins, gravures, vidéos, compositions musicales, architectures, aux salades opportunes de la Cuisine de campagne, en passant par la danse de l'installation Enveloppée et les êtres réjouissants de Condition erratique, l'ensemble du travail se déroule dans le champ de l'action, de la performance. La revendication est présente, non sous la forme provocatrice ou « mutilatoire » des origines du medium, mais dans une dynamique relationnelle, dans les interactions sociales et dans son positionnement environnemental. Le corps de l'artiste entreprend, se met à l'œuvre, se libère et joue des contraintes. Il performe en hors-champ lorsqu'il encre minutieusement des points sur le velouté du papier, brise les galets lourds du Gave de Pau pour en sortir l'essence et le pigment, domestique les phasmes, met en scène les abeilles, poursuit les patelles sur l'estran {note}3, bâtit des modules géométriques. Plus récemment, le corps s'expose quand l'artiste orchestre le chant des pierres, se filme en période de confinement ou dialogue avec les oiseaux, tenant une conversation circonstancielle dans la brise basque qui gomme les frontières.

La frontière, celle du pays voisin qui réapparaît effroyablement en temps de pandémie mondiale. Celle dessinée par les clôtures qui partitionnent l'espace du jardin, du domaine protégé sur lequel l'artiste travaille en résidence. Elle est la démarcation dont se moque le volatil. La frontière apparaît aussi sous sa main, un trait à la craie sur le sol de l'atelier, d'autres au feutre sur les murs et le papier. Le tracé, même inachevé, délimite le contour d'une forme. Son pourtour fait naître un dedans et un dehors, il oblige à se positionner (incorporer et s'incorporer).

L'univers artistique de Christophe Clottes allie son intérêt pour le biote et les Flyshs du Pays Basque {note}4, ses réflexions sur les habitats écologiques et sociaux, l'anarchie aux forces qui nous dépassent, à la montagne, aux phénomènes tels que les marées ou le voyage des blocs erratiques et leur part de magie. Avec ce que l'artiste révèle des chardonnerets s'appropriant librement les graines d'une plante invasive non autochtone de leur territoire, des oiseaux de passage photographiés et des animaux divers avec lesquels il travaille depuis de nombreuses années, il me plaît de l'imaginer comme membre actif de l'Association des Thérolinguistes. Ce groupe de scientifiques linguistes découvre que les fourmis écrivent de la poésie pamphlétaire avec leurs phéromones, qu'elles sont politiques et libertaires {note}5. Les thérolinguistes mettent également à jour les textes impénétrables de poulpes dont l'écriture éphémère, rédigée par leurs jets d'encre, se disperse dans l'eau {note}6.

Dans la poétique des œuvres de Christophe Clottes confluent le vivant et ses multiples déploiements, les temporalités distordues, la science et la mythologie des roches et du paysage, ainsi que ceux qui se nomment « les êtres humains ». L'artiste montre le monde en mouvements, s'y intègre … et comme il ne pouvait décrire cet autre monde avec des phrases, il le fit avec des contes, pour que l'homme pût lui aussi danser avec la lumière {note}7.

Émilie Flory France, avril 2021

Le titre est un vers de Dominique A, tiré de sa chanson Le courage des oiseaux de 1991.

¹Philippe Jaccottet, Paysages avec figures absentes, 1970

²Philippe Jaccottet, Paysages avec figures absentes, 1970

³L'estran est la partie du littoral qui est couverte à marée haute et découverte à marée basse, aussi appelé « zone de balancement des marées » ou « zone de marnage ». Biotope particulier qui abrite un écosystème riche et spécifique.

⁴Le Flysh est une formation sédimentaire, souvent épaisse, constituée d'une alternance de couches de grès et de calcaire argileux accumulées dans un bassin océanique qui se referme suite à la collision entre deux plaques tectoniques (montagne en cours de surrection).

⁵Ursula K. Le Guin, The Author of the Acacia Seeds and Other Extracts from the Journal of the Association of Therolinguitics, 1974 (VF L'auteur des graines d'Acacia, 1988)

⁶Vinciane Despret, Autobiographie d'un poulpe et autres récits d'anticipation, 2021.

⁷Anna Lazowski & Patrick Fischmann, Contes des sages gardiens de la mer, 2019

Je suis heureux... il fait soleil (version longue)

Émilie Flory — 2021-07-27T07:59:51Z

« Chers peintres, Abandonnons-nous sans tarder aux purs baisers de l'air, aux bienfaits de la mer, nourrissons nos pensées d'abord, nos corps ensuite, goûtons les fruits de l'espace, le parfum et les sons des couleurs, sublimons nos idées. […] Dame peinture toujours jeune, je vous donne mon cœur, je vous donne mon corps. Vive vous ! Je vous aime ! » {note}1

Ces mots que James Ensor adresse à ses adelphes peintres et à la peinture matérialisent bien les idées et émotions plurielles qui entourent ma vision du travail de Simon Rayssac. L'artiste offre des œuvres comme des histoires, révélatrices de « petits riens », qui font que la vie resplendit autour du chat du Docteur P, sur le mystère singulier d'une série de bâtons dansants, avec des études (qui n'en sont pas) de cheveux, carpes, ciel brumeux, fourrure au poisson entremêlés. Il s'attache au caractère fugitif des choses, parce qu'il y a urgence à peindre. En émane une impulsion vitale de créer vite, fort, beaucoup, peindre sans fin quand le jour est bon. Un jour, une toile, deux formats. Ne pas cesser. Observer la nature, la faune, la flore. Faire jusqu'au bout « parce qu'on va tous mourir ».

Les choses circulent dans ce travail foisonnant et l'émotion peut être intellectuelle, brute ou viscérale. Son approche demande de s'impliquer, sentir son corps de regardeur prendre la mesure de celui du peintre ; ses gestes, la force, la masse vibrante de celui qui se confronte à la toile quand il travaille. « Voir de près » {note}2 les virgules du pinceau, les embués, le gras sensuel de la matière, les apparences vaporeuses et l'absence de perspective par la présence quasi constante de la planéité. La couleur, chez lui, vous emporte. Elle illusionne et agite. Si la palette peut parfois être restreinte dans une toile, c'est un grand embrasement chromatique qui sillonne l'ensemble de son œuvre. La joute entre le rouge cinabre et le vert de Grande étude d'éclairage pour plante verte (2018), le souvenir perdu de l'orange vif et du bleu outremer d'une pluie fine sur la dune, les exaltations de jaunes, verts, ocres, bruns et roses, les nuances cendrées des nuits aux louves Étude de corbeaux (2019) et Dans la buée (2019) jusqu'aux crêtes violines des collines d'hiver en Aveyron ; tout fait parler le cœur, la mémoire et le ventre.

Le verbe, lui, arrive avant que la toile naisse. Le titre comme élément fondateur de l'œuvre reste pour l'artiste un protocole de travail. En nombre, ils deviennent poèmes, invitent et orientent le regard et l'imagination, dirigent le style, figurent les formes, structurent la fausse abstraction. Tout comme les séries, les variations rythment régulièrement les productions sur toile ou sur papier. Reprendre le motif jusqu'à épuiser le sujet. Une nouvelle temporalité arrive dans la façon de travailler de l'artiste : revoir, laisser pour pause, repeindre plutôt que faire voler . Depuis peu il pratique des écarts protocolaires, accepte la reprise de certaines œuvres, change de format, encadre les toiles de baguettes peintes, comme une fiction nouvelle. Il s'autorise.

« C'est en prêtant son corps au monde que le peintre change le monde en peinture. » {note}3 Dans les vidéos One Night Stand {note}4 le corps court ou est statique au milieu des œuvres des autres. Sa voix — outil unique et singulier — son oscillation, sa mélodie primale entre cri, chant mystique et modulation chamanique permet tout à la fois d'évoquer l'apaisement, la peur et la jubilation. Elle convoque les mémoires, provoque le souvenir. L'artiste est là, nu et mû par le monde.

Il est souvent question de mémoire dans l'œuvre polysensorielle de Simon Rayssac. La mémoire mélancolique des joies à venir et des bonheurs perdus, des temps récents à Assèynes et celle universelle d'un retour à la nature, leurre autant que boussole. Contemplative face à certaines toiles, heureuse déstabilisée face à d'autres, j'y entends souvent de la musique, que je chante dans la rue ou fredonne simplement… « Je suis heureux… il fait soleil Et pourtant… » {note}5

Émilie Flory

Rome, juillet 2021.

Télécharger le texte en pdf.

¹James Ensor, Ma vie en abrégé in Parlons forte langue claire et verte, trempée à chaud et à froid, cimentée d'adjectifs retentissants, Éditions Marguerite Watkine, 2021.

²Daniel Arasse, Histoires de peintures, Éditions Denoël, 2004.

³Maurice Merleau-Ponty, L'œil et l'esprit, Éditions Gallimard, 1964

⁴Simon Rayssac, One Night Stand CAPC (2007) et One Night Stand Garage Mu pour Titanix (2018).

⁵Le titre et les derniers mots de ce texte sont des vers de Jean-Roger Caussimon, issus de la chanson Il fait soleil, 1975.

{Je suis heureux... il fait soleil}

Émilie Flory — 2021-07-27T07:46:00Z

"Chers peintres, Abandonnons-nous sans tarder aux purs baisers de l'air, aux bienfaits de la mer, nourrissons nos pensées d'abord, nos corps ensuite, goûtons les fruits de l'espace, le parfum et les sons des couleurs, sublimons nos idées. […] Dame peinture toujours jeune, je vous donne mon cœur, je vous donne mon corps. Vive vous ! Je vous aime !" {note}1

Ces mots que James Ensor adresse à ses adelphes peintres et à la peinture matérialisent bien les idées et émotions plurielles qui entourent ma vision du travail de Simon Rayssac. L'artiste offre des œuvres comme des histoires, révélatrices de « petits riens », qui font que la vie resplendit autour du chat du Docteur P, sur le mystère singulier d'une série de bâtons dansants, avec des études (qui n'en sont pas) de cheveux, carpes, ciel brumeux, fourrure au poisson entremêlés. Il s'attache au caractère fugitif des choses, parce qu'il y a urgence à peindre. En émane une impulsion vitale de créer vite, fort, beaucoup, peindre sans fin quand le jour est bon. Un jour, une toile, deux formats. Ne pas cesser. Observer la nature, la faune, la flore. Faire jusqu'au bout « parce qu'on va tous mourir ».

Les choses circulent dans ce travail foisonnant et l'émotion peut être intellectuelle, brute ou viscérale. Son approche demande de s'impliquer, sentir son corps de regardeur prendre la mesure de celui du peintre ; ses gestes, la force, la masse vibrante de celui qui se confronte à la toile quand il travaille. « Voir de près » {note}2 les virgules du pinceau, les embués, le gras sensuel de la matière, les apparences vaporeuses et l'absence de perspective par la présence quasi constante de la planéité. La couleur, chez lui, vous emporte. Elle illusionne et agite. Si la palette peut parfois être restreinte dans une toile, c'est un grand embrasement chromatique qui sillonne l'ensemble de son œuvre. […] Le verbe, lui, arrive avant que la toile naisse. Le titre comme élément fondateur de l'œuvre reste pour l'artiste un protocole de travail. En nombre, ils deviennent poèmes, invitent et orientent le regard et l'imagination, dirigent le style, figurent les formes, structurent la fausse abstraction. Tout comme les séries, les variations rythment régulièrement les productions sur toile ou sur papier. Reprendre le motif jusqu'à épuiser le sujet. […]

« C'est en prêtant son corps au monde que le peintre change le monde en peinture. » {note}3 Dans les vidéos One Night Stand {note}4 le corps court ou est statique au milieu des œuvres des autres. Sa voix — outil unique et singulier — son oscillation, sa mélodie primale entre cri, chant mystique et modulation chamanique permet tout à la fois d'évoquer l'apaisement, la peur et la jubilation. Elle convoque les mémoires, provoque le souvenir. L'artiste est là, nu et mû par le monde.

Il est souvent question de mémoire dans l'œuvre polysensorielle de Simon Rayssac. La mémoire mélancolique des joies à venir et des bonheurs perdus, des temps récents à Assèynes et celle universelle d'un retour à la nature, leurre autant que boussole. Contemplative face à certaines toiles, heureuse déstabilisée face à d'autres, j'y entends souvent de la musique, que je chante dans la rue ou fredonne simplement… « Je suis heureux… il fait soleil Et pourtant… » {note}5

Émilie Flory

Rome, juillet 2021

Télécharger le texte en pdf.
Lire la version longue.

¹James Ensor, Ma vie en abrégé in Parlons forte langue claire et verte, trempée à chaud et à froid, cimentée d'adjectifs retentissants, Éditions Marguerite Watkine, 2021.

²Daniel Arasse, Histoires de peintures, Éditions Denoël, 2004.

³Maurice Merleau-Ponty, L'Œil et l'esprit, Éditions Gallimard, 1964.

⁴Simon Rayssac, One Night Stand CAPC (2007) et One Night Stand Garage Mu pour Titanix (2018).

⁵Le titre et les derniers mots de ce texte sont des vers de Jean-Roger Caussimon, issus de la chanson Il fait soleil, 1975.

Nina Laisné

Émilie Flory — 2016-06-07T14:20:37Z

Nina Laisné développe depuis plusieurs années un univers singulier dans lequel l'image a une place privilégiée. Que ce soit dans ses photographies ou dans ses réalisations filmées, l'artiste ne se cantonne pas à un langage. Ses œuvres, construites avec minutie, sont l'endroit où la latence et le temps de la contemplation prennent tout leur sens. Dans ses premières photographies, au-delà des acteurs qu'elle dirige avec précision et des décors justes c'est bien le moment de grâce d'un instant suspendu, cet interstice marqué d'incertitudes qui intéresse l'artiste. Elle pose déjà ici les marqueurs du travail à venir.

Empreintes d'étrangeté ses œuvres prennent corps et se déploient en dialogue avec d'autres medium comme le cinéma et la musique mais aussi à travers des éléments historiques et sociologiques, l'art, les traditions populaires, la mode, le cabaret et l'opéra. Ce sont ces va-et-vient, plus ou moins visibles, mais aussi l'importance de la culture hispanophone qui font des recherches artistiques de Nina Laisné un ensemble riche et délicieusement inclassable.

Musicienne et cinéphile, l'artiste constitue donc son univers plastique avec les vocables du septième art et du spectacle, crée des dialogues avec le son plutôt qu'avec le verbe. Les œuvres récentes jouent également de cette interpénétration et cristallisent ce glissement d'un genre à l'autre, d'une réalité plébéienne à la fiction ou l'inverse.