Documents d'Artistes Nouvelle-Aquitaine

La forme de l'engagement

Damien Airault — 2015-09-29T14:44:51Z

On découvre par bribes, sous le microscope de Céline Domengie, un environnement social et politique : ses gestes, ses prises de décision, ses coutumes et ses mythologies. Et en particulier les engrenages qui mènent une ville à la construction d'un nouveau collège, de sa conception à son édification, les nombreux corps de métier convoqués, et aussi, à de multiples niveaux, les élèves, leurs parents, et une grande partie des habitants d'un village, réunis sans le vouloir autour de cet événement.

La Cité existe par une multitude d'actions cachées : d'abord celles de tous les habitants qui la composent. Ses segments collectifs, et les plus apparents, sont quadrillés de gestes de techniciens, de politiciens, d'ingénieurs, ou encore de commerçants. De fait l'espace public change et est entretenu en permanence par des forces invisibles, des successions de choix dont nous sommes conscients sans pour autant les regarder de près, hauts faits ou travail quotidien d'individus connus et inconnus. En outre, cet espace public, et donc ce bien public, a besoin d'images. Il engendre une part de communication, institutionnelle souvent, qui, comme toute image fabriquée, possède un envers, une deuxième face, consciemment dissimulée. L'exposé des intentions et des résultats est toujours parcellaire, il s'agit d'un calcul et il est technicisé. C'est la face cachée qui va intéresser en priorité notre artiste. Car l'environnement de Céline Domengie est aussi le nôtre, il engage notre responsabilité, et, après les analyses et déductions de l'artiste, il sera l'objet d'une nouvelle transmission, de nouvelles métaphores et de nouvelles représentations, montrant sous un nouvel angle l'envers du décor collectif.

L'auteure, partant de recherches et de rencontres sur le terrain, ne tente pas la retranscription directe de ses sources, encore moins la figure de style : elle met plutôt ses idées au service d'un travail critique. Son intention peut aussi sembler scientifique par sa précision, sa méthodologie et sa volonté d'exhaustivité. Le résultat est une production qui prend toutes les formes, ou, plus précisément, s'accapare toutes les formes. La retranscription est ici un travail de choix et de cadrage, de sélection d'un médium. Et selon ce principe, la retranscription est un travail d'auteur qui constitue un retour dans l'espace public. La donne est d'autant plus complexe que le réel et les situations qui l'animent sont subtils. Il est fait de personnes, de lieux, de gestes, d'architecture, de relations de pouvoir, de biographies, d'économie, d'odeurs, de couleurs, de sentiments, de matériaux, de coutumes… Chaque point d'accroche, chaque cible, doit donc trouver un support de transmission adéquat. On ne s'étonnera pas alors que les actions de Céline Domengie naissent souvent de collaborations, et en créent de nouvelles, comme pour rejouer, re-tisser les liens qui unissent différents corps de métiers, différents modes d'expression, sur un chantier ou dans les bureaux d'une administration. Façon aussi de convoquer des compétences et des sensibilités diverses, et de pouvoir déléguer une autorité qui s'alimente d'un contexte délicat, et ne peut pas couler de source.Mais pour moi, la chose la plus intéressante est la façon dont l'artiste se replace en parallèle au coeur de ce contexte. En effet, tout comme elle interroge avec bienveillance les environnements socio-professionnels et les usages qu'elle sélectionne, elle va mettre dans la balance sa propre place de créatrice.Le travail qui est effectué avec un maçon, un architecte, un professeur de collège, sera, en miroir, effectué sur sa propre position d'artiste. Il n'y a donc plus de surprise à ce que des parties de son projet se déroulent dans sa propre maison (d'ailleurs en construction permanente). En joueuse fair-play, l'artiste qui s'infiltre dans les rouages des commandes publiques peut aussi ouvrir son atelier, et montrer ses secrets de fabrication à tous. L'oeuvre n'apparaît donc plus comme un produit fini mais au travers d'un processus long, transformable et protéiforme, qui va engager la vie quotidienne et les actions de spectateurs qui se révèlent soudainement parties prenantes. Finalement, l'artiste, comme celui ou celle qui regarde son travail, ou qui construit et pense le bâtiment, est dès le début un acteur, peut-être déresponsabilisé par la donne de départ, de la commande publique. Ici, la pédagogie et la transmission deviennent actes, et on s'explique, de manière plus ou moins organisée, au travers des métaphores et des images, ce que sont l'art, la politique, le mode de vie et les savoirfaire de chacun, la responsabilité. Parce qu'ici, l'être humain n'est plus seulement considéré comme un producteur de biens et de services. Et Céline Domengie crée bien un système où l'individu et le partage sont au centre de toutes les préoccupations, les moteurs de sa création, et les facteurs d'une élucidation. Alors, si sa pratique est, en quelque sorte, analytique et relationnelle, c'est peut-être aussi pour nous rappeler que c'est là l'origine et la vocation de l'art et que, plutôt que d'ajouter des objets au monde, on peut travailler à le rendre transparent.

Damien Airault — 2011-12-09T09:43:44Z

Au premier abord, l'inspiration semble biographique, voire intime : Laurent Le Deunff n'aurait rien à prouver et ses souvenirs personnels, une petite pile de magazines de chasseurs, alliés à quelques éléments piochés dans la nature et dans les musées d'ethnologie, lui offriraient un répertoire d'images conséquent. Il prendrait comme point de départ un lot de motifs atemporels.

Son iconographie se rapprocherait, comme l'écrit Valérie Da Costa, d'un champ de références « populaires », proches d'un imaginaire commun, et loin de toute anecdote, narration forcée, ou prouesse de l'imagination.

On pourrait aisément en déduire une sorte d'instinct naïf, proche d'un Gauguin ou d'un Sérusier, alors qu'au contraire ses productions tissent un réseau complexe de pratiques et de centres d'intérêts, parfois antagonistes. Et elles nous orientent vers une attitude d'autant plus intrigante et libre qu'elle s'exerce à l'intérieur de cadres assez clairs.

En effet le travail de Laurent Le Deunff s'articule autour de deux pratiques différentes.

D'un côté, un ensemble de sculptures, dont la plupart utilisent des matériaux naturels (cuir, bois, os…) et reprennent des sujets tirés de la nature : séries de têtes d'animaux dérivés en totems, chien, morse, etc., mais aussi contenants ou objets de mobilier de toutes sortes (coffre-fort, tente, aquarium, matelas). Cet inventaire crée bien une sorte de cabinet de curiosité imaginaire.

La cohérence de ce groupe d'œuvres viendrait d'une attitude particulière de l'artiste vis-à-vis de ses matériaux, d'une capacité à contourner tout principe d'efficacité pour laisser les formes se générer spontanément, comme déduites de la matière, de respecter les modèles reproduits, et ne pas considérer les matériaux et les volumes comme de véritables contraintes mais les entourer de soins. Ici tout héroïsme a disparu : l'individu n'est pas en lutte avec les éléments, l'imagination ne supplante pas un déjà-là, les corps du sculpteur et du spectateur ne se heurtent pas à des volumes dispersés comme à des obstacles. Car si l'univers de Laurent Le Deunff est construit d'un idéalisme teinté d'humour, de désinvolture régressive, et de chausse-trappes, c'est aussi pour laisser libre cours, pacifiquement, aux hallucinations et au travail de la main.

Et l'effet surprend : les sculptures semblent avoir toujours été là, posées au milieu ou à l'écart de paysages divers, abandonnées dans des expositions collectives, sans places prédéterminées. Chargés de fables, les objets de Laurent Le Deunff sont paradoxalement opaques et muets, témoins de croyances sans rituels.

Il y a une facilité cependant à s'arrêter aux images. Laurent Le Deunff nous rappelle que le bois, le crayon, l'os, l'albâtre, ont une vie propre, dégagée de l'auteur qui se les approprie, et qu'un nouveau propos sur la sculpture se développe ici.

Second temps maintenant, là où tout se gâte, une série grandissante de dessins, au crayon sur papier Moleskine, représentant entièrement ou partiellement des paysages naturels, des animaux pendant le coït, des chasseurs, une variété de thèmes inspirés de la botanique ou de la zoologie, c'est-à-dire un champ thématique plus serré que celui des sculptures, une technique unique aussi. Finalement, ces travaux graphiques renvoient à des motifs préhistoriques (repérages d'éléments bucoliques ou d'activités de survie) : peut-être l'origine antédiluvienne du dessin. On y constate aussi un travail méticuleux à partir d'images pré-existantes, une volonté de reproduction, comme pour humaniser ce qui est à la base une photographie, ou encore pour retrouver ses sujets par l'application, retrouver un état où la main et l'outil, encore une fois, s'approprient patiemment un motif.

À un premier degré romantique et béat, qui n'est autre qu'un décalquage de codes bien connus, un deuxième degré se superpose, descente à pic, principe de lucidité : Laurent Le Deunff n'est pas l'Indigène observateur, le Bon Sauvage, l'Enfant espiègle que l'on suppose.

Car le traitement de ces scénettes est trop méticuleux pour être primitif, l'iconographie est bien trop exotique et variée pour être reliée à un art brut, et surtout elle s'inscrit dans un cycle de représentations et de reproductions qui sème un doute tenace sur les intentions de l'auteur.

Alors la pratique du dessin, aussi absorbée soit-elle, reste un exercice conscient d'appropriation et de mise à distance. Appropriation et mise à distance de mythes fondateurs, de paysages que nous connaissons tous, et dont on peut une fois pour toute, et avec douceur, interroger le caractère kitsch.

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